ANDRÉI RUBLIOV
ANDRÉI RUBLIOV
Andréi Rubliov (1360–1430 probable ) fue un religioso y pintor ruso medieval considerado como el más grande iconógrafo de Rusia. No se sabe dónde nació, pero probablemente vivió en el monasterio de la Santísima Trinidad y San Sergio. En 1959 se inauguró en Moscú el Museo Andréi Rubliov, ubicado en el monasterio de Andrónikov, donde se exponen sus obras. En 1966, Andréi Tarkovski realizó una película basada en su vida. Fue canonizado en 1988. La primera obra de Rubliov data de 1405, cuando decoró con iconos y frescos la catedral de la Anunciación del Kremlin de Moscú. Inicialmente Rubliov fue ayudante de Teófanes el Griego. Pero si bien la obra de Rubliov se mantiene dentro de la tradición bizantina, se libera del excesivo hieratismo canónico del arte tradicional bizantino aproximándose al arte llamado deuterobizantino. Innova introduciendo flexibilidad en las figuras y una expresión más humana y dulce en las actitudes, especialmente, en los rostros.
CIMABUE
CIMABUE
CIMABUE Cenni di Pepo Cimabue (Florencia, 1240 – Pisa, 1302) fue un pintor y creador de mosaicos florentino. Se lo considera iniciador de la escuela florentina del Trecento, y el último gran pintor de la tradición bizantina. A Cimabue se le atribuye el paso desde la transición de las figuras hieráticas hacia verdaderos sujetos, dotados de humanidad y emociones, que serán la base de la pintura italiana y occidental. Las noticias ciertas sobre su vida, apoyadas en documentos, son pocas. Se sabe que estaba presente en Roma en el año 1272; aparece encargado de realizar un cartón para el mosaico del ábside de la catedral de Pisa en el año 1301; y consta muerto en Pisa en el año 1302. De estas poquísimas informaciones los historiadores del arte han reconstruido, no sin controversias, el catálogo de sus obras. Dante lo citó como el mayor pintor de la generación que precedió a Giotto. Según Ghiberti y el Libro de Antonio Billi fue al mismo tiempo el maestro y el descubridor de Giotto. A juzgar por los encargos que recibió, Cimabue parece haber sido un artista muy considerado en su día. Recibió el encargo de pintar dos frescos muy grandes para la Basílica de San Francisco de Asís; Desafortunadamente, durante la ocupación del edificio por las tropas invasoras francesas, se prendió fuego la paja y dañó seriamente los frescos. Otra obra dañada es el gran Crucifijo de la Santa Croce en Florencia. La historia ha considerado a Cimabue como el último de una era que fue eclipsada por el Renacimiento italiano. En el Canto XI, 94-96, de su «Purgatorio», Dante lamenta la rápida pérdida del interés público por la obra de Cimabue frente a la revolución de Giotto en el arte: ¡Oh, vanagloria de la grandeza humana!
DUCCIO
DUCCIO
Duccio di Buoninsegna (c. 1255/1260, Siena - c. 1318/1319, Siena) fue probablemente el artista más destacado de Siena, Italia, de su tiempo. Se le considera como uno de los más influyentes en la formación del estilo gótico internacional. Primer pintor reconocido de la escuela sienesa, fue también inspirador de otros miembros de la misma, como Simone Martini y los hermanos Ambrogio y Pietro Lorenzetti, entre otros. Su producción segura conservada, no muy abundante, incluye la Madonna Rucellai (1285) en Santa Maria Novella (ahora en los Uffizi, Florencia), y la Maestà (1308-1311) para la catedral de Siena, considerada como su obra maestra. Originalmente se llevaba en procesión por las calles de la ciudad. Significó un importante paso adelante en el estilo pictórico y en la narración de historias a través del arte visual. Esta gran obra, formada por múltiples imágenes, fue desmembrada en siglos posteriores y sus escenas menores se dispersaron por varios países. Otras obras del artista se conservan en el Reino Unido, tanto en la National Gallery de Londres como en Hampton Court (Royal Collection de Isabel II).
ENDE
ENDE
Ende (también conocida como En) fue una iluminadora de manuscritos del norte de España, a fines del siglo X. Es posible que fuera monja, quizás del monasterio de San Salvador de Tábara. Es la primera artista femenina en España y una de las primeras en Europa de la que se tiene registro. Iluminó el Beato de Gerona, que contiene el Comentario al Apocalipsis compilado por el monje Beato de Liébana en 786 y se preserva en la Catedral de Gerona. El nombre de Ende, junto con el de otro iluminador, figura en el colofón del manuscrito, en latín: ende pintrix et d(e)i aiutrix fr(a)ter emeterius et pr(e)s(bite)r (Ende, pintora y ayudante de Dios; Emeterio, hermano y sacerdote). Debido a que no hay acuerdo sobre cómo segmentar las dos primeras palabras de esta frase, algunos autores se inclinan por llamar a la artista "Ende" y otros simplemente, "En". La iluminación que ilustra las visiones de Juan en el libro de Apocalipsis es de estilo mozárabe. Estilo desarrollado en España después de la invasión musulmana, que mezclaba elementos del arte islámico y las tradiciones decorativas, con énfasis en particular en la geometría, los colores vivos, suelos decorados y figuras estilizadas. De sus trabajos hay 24 copias conocidas con ilustraciones. En julio de 2018, la Asociación Herstóricas. Historia, Mujeres y Género y el colectivo Autoras de Cómic crearon un proyecto de carácter cultural y educativo para visibilizar el aporte de las mujeres en la sociedad y reflexionar sobre su ausencia consistente en un juego de cartas. Una de estas cartas está dedicada a Ende.
GIOTTO
GIOTTO
Giotto di Bondone (o simplemente Giotto) (Colle di Vespignano, Florencia c. 1267-Florencia, 1337) fue un pintor, muralista, escultor y arquitecto florentino de la Baja Edad Media, considerado uno de los detonadores del movimiento renacentista en Italia. Su obra tuvo una influencia determinante en los movimientos pictóricos posteriores. Cuando Giotto contaba con treinta años, su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se extendía por toda Italia, al punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle una muestra de su arte. Según Vasari, Giotto tomó un lienzo blanco en presencia del recadero, hundió su pincel en pintura roja y, con un solo trazo continuo, dibujó a mano alzada un círculo geométricamente perfecto, diciendo al hombre: «La valía de este trabajo será reconocida.» Provisto de su talento natural y de las enseñanzas de Cimabue, Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros, principalmente trabajos religiosos. Así, se le atribuyen como primeras obras la continuación en la Basílica de San Francisco de Asís de la parte alta de las paredes del templo a partir de las historias de Isaac, donde desarrolla temas bíblicos. Más adelante, entre 1297 y 1299, una nueva serie de frescos fue muy probablemente ejecutada por Giotto en su totalidad en la parte inferior de los muros de la basílica, acerca de la vida de San Francisco de Asís. Vistos los excelentes resultados, se le solicitó que pintara —entre 1305 y 1306— los frescos de la Capilla de los Scrovegni, en Padua. Las figuras planas y simbólicas del arte bizantino dieron lugar a las formas modeladas en perspectiva. La comparación entre la Madona de Giotto y la de su maestro Cimabue nos muestra por qué sus contemporáneos consideraban sus pinturas como «milagros del naturalismo».
HILDEGARDA DE BINGEN
HILDEGARDA DE BINGEN
Hildegarda de Bingen O.S.B. (1098-Monasterio de Rupertsberg, 1179) fue una santa, compositora, escritora, filósofa, científica, naturalista, médica, abadesa, mística, líder monacal y profetisa alemana. Conocida también como la sibila del Rin y la profetisa teutónica. Considerada una de las personalidades más influyentes, polifacéticas y fascinantes de la Baja Edad Media y de la historia de Occidente, es también de las figuras más ilustres del monacato femenino y quizás quien mejor ejemplificó el ideal benedictino, al estar dotada de una inteligencia y cultura fuera de lo común, comprometida con la reforma gregoriana y al ser una de las escritoras de mayor producción de su tiempo. Además es considerada por muchos expertos como la madre de la historia natural. Entre 1158 y 1163 escribió Liber Vitae Meritorum, y entre 1163 y 1173 su Liber Divinorum Operum, considerados, junto con el Scivias, las obras teológicas más importantes de Santa Hildegarda. Otra de sus obras es Lingua Ignota formada por unas 1000 palabras y Litterae Ignotae, un alfabeto de 23 letras. Se conservan casi 400 cartas a personas de toda índole que acudían pidiéndole consejo para resolver sus conflictos. De ellas, 145 están recogidas en la Patrología Latina de Migne. La Santa escribió cartas a Papas, cardenales, obispos, abades, reyes y emperadores, monjes y monjas, hombres y mujeres de todas clases tanto alemanes como extranjeros. Existen cartas cruzadas con dos Emperadores, Conrado III y su hijo, Federico Barbarroja; con Papas, Eugenio III, Anastasio IV, Adriano IV y Alejandro III; con el Rey inglés Enrique II y su esposa Leonor de Aquitania. También con nobles, cardenales y obispos de toda Europa, a quienes aconsejaba y si era necesario reprendía. Era escuchada por todos y se convirtió en una referencia moral de su época. Completan su obra una serie de tratados menos conocidos: Solutiones Triginta Octo Quaestionum (Respuestas a 38 preguntas), Expositio Evangeliorum (Explicación del Evangelio), Explanatio Regulae S. Benedicti (Regla de San Benito), Explanatio Symboli S. Athanasii (Símbolo Atanasiano) y varias Biografías de Santos.
JACQUEMART DE HESDIN
JACQUEMART DE HESDIN
Jacquemart de Hesdin (1350 – 1410) fue un miniaturista francés, uno de los principales iluminadores de su época. perteneciente al gótico internacional. Hesdin, ciudad de la cual tomó su nombre, era una citadela fortificada en el Pas de Calais, entonces parte de Flandes. Entre 1384 y 1414 trabajó para el duque Juan I de Berry, gran promotor de las arte de su tiempo, hermano menor de Carlos V de Francia. Su obra más conocida son Las Grandes Horas, también conocido como Las muy Bellas Horas del Duque de Berry o Las horas de Bruselas, manuscrito que se guarda en la Biblioteca Nacional de Francia. Así mismo, ilustró el Grandes Horas , el Petites Horas , y una Salterio, a menudo en colaboración con los hermanos Limbourg y otros ilustradores de la época. La pintura de Jacquemart El llevar de la cruz se encuentra en el Museo del Louvre
PIETRO CAVALLINI
PIETRO CAVALLINI
Pietro Cavallini ( 1250 – 1330) fue un pintor italiano de estilo italo-gótico. Fue asimismo diseñador de mosaicos. Trabajó a finales de la Edad Media. De lo poco que se sabe de su biografía está que era de Roma, pues firmaba pictor romanus. Su primera obra destacada fueron los ciclos de mosaico para la Basílica de San Pablo Extramuros, con historias del Antiguo y Nuevo Testamentos, entre 1277 y 1285. Fueron, sin embargo, destruidos en el incendio de 1823. Su Juicio Final en la Basílica de Santa Cecilia en Trastevere en Roma, pintado hacia 1293 y considerada la obra maestra de Cavallini, demuestra un estilo artístico conocido como naturalismo romano. Este naturalismo influirá en la obra de artistas que trabajaron en otras ciudades italianas, como Florencia y Siena. A partir de 1308 Cavallini trabajó en Nápoles en la corte del rey Carlos II de Anjou, en particular en las iglesias de San Domenico Maggiore de 1308 y Santa Maria Donnaregina de 1317, junto a su paisano romano Filippo Rusuti. Regresó a Roma antes de 1325, comenzando la decoración externa de la Basílica de San Pablo Extramuros en 1321, con una serie de mosaicos en estilo bizantino.
PIETRO LORENZETTI
PIETRO LORENZETTI
Pietro Lorenzetti ( 1280 - 1348) fue un pintor italiano de estilo italo-gótico, activo aproximadamente entre 1306 y 1345. Nació y murió en Siena. Su formación debió completarse con Duccio di Buoninsegna, para proseguir después en el gran taller de la Basílica de San Francisco de Asís, con Giotto y Simone Martini; esto lo llevó a desarrollar un lenguaje figurativo autónomo que sintetizaba el arte sienés con el lenguaje de Giotto. Sus principales influencias fueron Giovanni Pisano y Giotto. Muchas de sus obras religiosas están en iglesias de Siena, Arezzo, y Asís. Lorenzetti pintó en Asís y después se trasladó a Siena, donde en 1329 pintó la gran Pala del Carmine. Junto a su hermano Ambrogio, ejecutó en el año 1335 los frescos hoy perdidos de la fachada del Ospedale di Santa Maria alla Scala. De 1335 a 1342 trabajó en la catedral de Siena, donde pintó la Natividad de la Virgen. Esta es la última obra documentada de Pietro Lorenzetti, del cual no se tienen noticias posteriores al año 1347: es probable que muriese durante la epidemia de peste bubónica o Peste Negra del 1348.
PINTURA BIZANTINA
PINTURA BIZANTINA
La pintura bizantina, así llamada por haberse formado en Constantinopla (antiguo Bizancio) data desde los comienzos del siglo VI. Las principales técnicas de la pintura bizantina fueron el mosaico, el temple sobre tabla (íconos), el fresco y la iluminación de manuscritos. Se caracteriza por la riqueza de materiales, el recurso del oro (vítreos y dorados) y la verticalidad de sus figuras, casi siempre estáticas. En Italia es donde más se conservan muestras del mosaico eclesiástico de los siglos VI y VII. Uno de los ejemplares más importantes es la decoración de la iglesia San Vital de Ravena, donde destacan el mosaico absidal y las representaciones pictóricas de Justiniano y Teodora. El mosaico bizantino ejerció poderosa influencia en la pintura medieval de Occidente hasta el siglo XIII (pintura prerrománica, pintura románica, pintura del Duecento); además de ser decisivo su influjo en el Oriente cristiano y de extenderse a Rusia desde el siglo XI. Mosaicos bizantinos que hoy se conservan en Oriente son: Santa Sofía de Constantinopla; Salónica (San Jorge, Santa Sofía y San Demetrio) y la Catedral de Santa Sofía de Kiev.
PISANELLO
PISANELLO
(Antonio di Puccio Pisano o da Cereto; Pisa o Verona, hacia 1395 - Nápoles, hacia 1455) Pintor y medallista italiano. Llevó una vida errante de corte en corte, lo mismo que Gentile da Fabriano. Estuvo empleado por el Dogo de Venecia, el Papa en el Vaticano y las cortes de Verona, Ferrara, Mantua, Milán, Rímini, y por el Rey de Nápoles. Gozó de la consideración de las familias Gonzaga y Este. Representante del preciosismo gótico, su obra, situada, en una época de transición, compartió la influencia del arte gótico internacional con la de las primeras formas renacentistas. Pisanello inició su carrera en Verona y trabajó de 1415 a 1420 bajo la dirección de Gentile da Fabriano. Encargado de la terminación de los frescos que su maestro dejó inacabados en San Juan de Letrán de Roma, adquirió una reputación tal que le abrió las puertas de las grandes cortes italianas. En Verona pintó sus mejores obras: La madona de la codorniz (hacia 1420), La Anunciación (1424-1426) y sobre todo La leyenda de San Jorge (1429-1430). El artista fue llamado a Mantua, Milán y Rimini, donde realizó medallas con efigies de los príncipes de la época. En sus últimas pinturas Pisanello se alejó del estilo de su maestro Gentile da Fabriano, e insistió en referencias a Lorenzo Ghiberti, Paolo Uccello y Masolino, como se aprecia en cuadros como La Virgen con los Santos Antonio Abad y Jorge (1447-1448) . Dibujante y grabador excelente, sobre todo de figuras de animales, Pisanello alcanzó gran fama como medallista, arte en el que no tuvo rival en su tiempo; realizó, entre otras, las medallas del emperador Juan VIII Paleólogo (Ferrara), de Francesco Sforza, de Leonello d'Este (Florencia), de Segismundo Pandolfo Malatesta y de Alfonso V de Aragón.
SIMONE MARTINI
SIMONE MARTINI
Simone Martini (Siena, Italia 1284 - Aviñón, Francia 1344) fue una figura principal en el desarrollo de la primitiva pintura italiana e influyó fuertemente en el desarrollo del estilo gótico internacional. Se enmarca en la escuela sienesa, siendo el más reputado maestro entre los pintores del Trecento en el dominio del color. Elementos esenciales de su estética son su gusto por la línea y la caligrafía admirable de los miniaturistas de la Escuela de miniaturistas de París. El estilo de la escuela sienesa y de Simone Martini se manifestó en el amaneramiento y la estilización de las figuras, así como en el uso de los fondos ornamentales dorados y de una gama de color subjetiva que proporcionan una expresividad lírica a las composiciones. Se cree que Martini fue un alumno de Giotto di Bondone, al que sigue hasta Roma. El rey de Nápoles, Roberto de Anjou, en el año 1317, le invitó a la corte para que pinte la ceremonia de la coronación concediéndole una asignación anual de cincuenta onzas de oro. Como la mayoría de los grandes pintores de su tiempo, trabajó en las basílicas de Asis. En una fecha anterior a 1326, el franciscano Gentile di Partino da Montefiore, le encargó decorar con pinturas al fresco la Capilla de San Martín en la basílica inferior de Asís. En estos frescos utilizó principalmente los colores ocres que también fueron usados ampliamente por Duccio y los hermanos Lorenzetti, asociados para siempre a la ciudad de Siena: el «siena natural» y el «siena tostado», que se extraían de unas tierras procedentes de la campiña toscana. Hacia 1340 se traslada a Aviñón. En la corte Papal trabaja en diversos encargos para el Palacio de los Papas. En esta ciudad conoce y traba amistad con el gran poeta Petrarca para quien realiza la miniatura de la Alegoría de Virgilio del frontispicio del Codex Virgilianus. Pasó muchos años en la corte de los Papas de Aviñón, trabajando en una serie de obras que en gran parte se han perdido. La posición de la ciudad de Aviñón como sede de una de las principales cortes de Europa y el hecho de que su estilo resultaba más familiar en Francia que las innovaciones de Giotto y la escuela florentina, acentuó su influencia sobre todas las escuelas de pintura sobre tabla o de miniaturas, tanto las francesas como las de Flandes, de forma que su impacto en la historia de la pintura fue decisivo para difusión del llamado estilo gótico internacional.